A fotografia mais comercial neste still-life com idéias. Excelência!

Imagino que um discurso deste género tivesse vários destinatários entre a assistência. Se um artista deste calibre e reconhecimento(?) se queixa, será pelo menos de bom senso perceber a que se refere. O discurso é relativamente claro, os “caucionadores” da fotografia, ié, aqueles que a catapultam para as exibições, o reconhecimento e consequentemente as vendas, são intermediarios e não os fotógrafos/artistas. Como tal dispõem de uma agenda própria e também de uma compreensão sobre a fotografia que, pelo menos em parte, responde a essa agenda. Se faz ou não parte dessa agenda, assiste-se contudo à propagação de uma fórmula que consiste na desvalorização da fotografia enquanto documento (e dos respectivos praticantees), atitude a que muitos artistas se colam, fugindo da classificação de documentalistas como o diabo da cruz. No entanto olha-se para as imagens e por muito “hibridas” que aparentem, pouco mais parecem ser que “documentos”. A que é que se fica a dever esta aspiração: agendas, promoções, dinheiro, etc., o mundo da arte também é um negócio, goste-se ou não.

O desentendimento que prémios do género BesPhoto geram entre certas comunidades de fotógrafos, parece ter origem numa noção restrita de fotografia. Mas é certo que o espectro daquilo a que se chama fotografia vai sendo cada vez mais largo, a esse respeito observe-se a preponderância que o video vai assumindo nos trabalhos de “fotógrafos”. Um artigo interessante sobre esta questão é este Prizes, Critics, and the Uses of Photography. Como em tantas outras áreas, a tentativa de arregimentar e polarizar ignora a multimensionalidade, a qual não se compadece com atitudes limitativas de ser contra ou a favor. Realidade ou encenação? Ambas, isto se a realidade não for ela própria uma encenação.

Fotografia e matemática, Nikki Graziano. Integrável numa corrente de progressivo afastamento da indexação ao real da fotografia (Gursky, Ruff et al), o interesse da mesma reside não tanto na hipótese de traduzir a paisagem através de uma fórmula matemática, mas na possibilidade de o fazer fotograficamente. Toda a vertente ligada à  plasticidade parece também ser destacada, o lado escultórico, o desenho, a abstracção (alheamento?) do objecto, etc.

Tramas e dramas do universo feminino, são propostos nestas duas séries de Daniela Edburg, “Compulsive Knitting” talvez traduzível por crochet compulsivo  e “Drop Dead Gorgeous” também com uma possível tradução manhosa para “jeitosa, vai-te matar”. Na primeira, o crochet como passatempo ou mata-tempo (killing time…) e  também nas suas diferentes representações materiais, sociais  e culturais, ao mesmo tempo que são explorados outros elementos simbólicos. No segundo caso, encena-se o prazer e a culpa do compulsivo consumo de doces. Em ambos, existe uma temática comum que funciona como uma espécie de âncora, em contraste com o que normalmente é feito nestas encenações acerca do universo feminino, em que a ambiguidade e a indeterminação temática são por vezes as notas dominantes. Não se pretende contudo sublinhar umas em detrimento de outras, são sobretudo abordagens diferentes embora neste caso, estes trabalhos exibam uma particularidade muito ausente dos trabalhos contemporâneos, mas que me agrada especialmente: o sentido de humor.

“AS: Your work is often categorized within ‘Conceptual Art’ – is that a title that you accept?

JB: That’s somebody else’s title. When I emerged, there was a group of artists who were all thinking in a similar way – all trying to get away from painting – and somebody decided to call it ‘Conceptual Art’. But categories are really just useful for writers; if you asked any of those artists today if they were conceptual artists, they would deny it – except maybe Joseph Kosuth.

AS: But is the ‘concept’ of a work, or the ideas that lie behind your work, something that you consider to be of central importance to your art?

JB: I guess so, in the sense that it would be very easy for me to just come up with ideas and never do anything physical – really, anybody could make the work itself. But I think that’s true with any art; an artist always has some kind of idea as their starting point, so all art is conceptual.”

Da entrevista com John Baldessari na SEESAW magazine. Um favorito!

Dez mil coleiras de cães e gatos, o número médio de cães e gatos indesejados, que diáriamente são sujeitos a eutanásia nos Estados Unidos. Em baixo, detalhe da imagem.

32,000 Barbies, número de mulheres que se sujeitou a cirurgia para aumentou o peito, mensalmente, em 2006, nos Estados Unidos. Em baixo, detalhe da imagem.

©ThomasRuff, da série Jpegs

“Pergunto porque é que a apropriação, a alienação, a análise e a nulificação substituíram a perseguição da beleza? (Thomas Ruff) Faz uma pausa antes de responder: É talvez porque a fotografia tem sido tão mal utilizada, que eu penso que você tem que ser muito cuidadoso quando está a olhar para uma fotografia. Há que saber as circunstâncias sob que foi feita – porque de outra maneira você não pode a ler, ou você poderia entendê-la mal, ou a imagem pode ser mal empregue. Dado que a fotografia é um meio tão realístico, parece mostrar-nos que tudo aquilo para que olhamos, estava efectivamente na frente da câmera. Mas entretanto não estava.” Ver a entrevista com Thomas Ruff.

Não obstante a resposta ser algo enviesada em relação à pergunta feita, Thomas Ruff discrimina um dado que me parece de destacar, que é o da importância de saber as circunstâncias em que a fotografia foi feita. Embora a ênfase para a “veracidade, bom uso, etc” se possa encontrar no conhecimento da fórmula de produção, tal proposição parece incompleta, pois esse conhecimento não parece bastar para que de modo automático se atinjam aqueles objectivos. A fotografia é um objecto de tal modo dualista, que em simultâneo aponta para fora e para dentro, pelo que o mau uso da mesma poderá ser assacado em várias direcções. Por outro lado, ao se ver sujeita e equiparada às ciências sociais e ao academismo, seria óbvio que na fotografia começariam a sobressair as qualidades mais do domínio do racional, em detrimento da estética, como esta série Jpegs de Thomas Ruff parece querer demonstrar.

Tem tanto de intrigante como de fascinante, estas imagens de Loretta Lux. Para conhecer um pouco mais,
AMERICANSUBURB X: THEORY – “Loretta Lux: New Work (2004)” e Colin Pantall’s Writing: The Lux Effect: Chapter 1: The Landscape of the Romantic Child

A seguir a um dia de eleições, em que nunca ninguém perde nada, Deus contínua no Céu, o Sporting a ser roubado com o FCP, e o único caso estranho é mesmo o do Benfica continuar a ganhar. Politiquices aparte, deixo aqui umas imagens de Olivier J. Laude, Esq, dedicadas à senhora que não sabe porquê.

Chris Buck numa divertida e inteligente série sobre duplos, ISN’T.

ERWIN OLAF

Karin Apollonia Müller

‘Of course we were freaks’ – An interview with Hilla Becher - Bernd e Hilla Becher formaram o casal que esteve na origem da tendência dusseldorfiana, de grande importância para a fotografia contemporânea, sobretudo no que diz respeito ao tratamento objectivo da imagem, enquadrado numa prática de Arte Conceptual, mais pensada, mais lógica e racional, menos elitista, mais crítica do sistema capitalista e do “sistema” artístico. A história parece ter absorvido a rebeldia inicial, tornando-o num dos movimentos dominantes da fotografia contemporânea, que pode ser melhor entendido também através das fotografias de Ed Ruscha, Jeff Wall, et al, e sobretudo através de muita da produção teórica que o acompanhou, face à preocupação com o texto inscrita na génese do Conceptualismo enquanto movimento artístico.

Algumas das exposições actualmente em cartaz em Lisboa, aludem directamente à questão em título. Jochen Lempert com Trabalho de Campo na Culturgest, é uma delas, recorrendo a processos aparentemente simples e exibindo de forma modesta, coloca o espectador perante a sua própria expectativa, abalando convenções e convicções, é isto a realidade, é possível evidenciá-la em fotografia, numa espécie de questionamento em circuito fechado que parece sempre remeter mais na direcção daquele que vê do que propriamente sobre aquilo que está a ser visto. Embora pudesse ser visto sob a capa do conceptualismo na vertente da recusa do estético e da estilização em detrimento do ontológico, este trabalho parece apresentar uma poética própria que o distancia da frieza analítica, além do mais, pouco se socorrendo do apoio da linguagem para se “explicar ou da vontade ou necessidade de comunicar idéias ou conceitos.

Com Rodrigo Tavarela Peixoto e Aparelhos Breves na Galeria Sopro, em Lisboa, parece ser colocada em causa a função do objecto e também a noção de finalidade da arte (a cenoura à frente do burro…), para que serve, o que é, apenas existe aquilo que tem uma função? A noção de foto-escultura é patente, sublinhando a contradição entre a forma e a função, utilidade e ornamento, e tal como na exposição anterior, alguma aproximação à pintura, neste caso no modo como a luz cai no still life.

Na galeria Pente 10, em Lisboa, o fotógrafo ucraniano Alexandr Glyadyelov com The Prison Within, um pouco diferente das propostas anteriores, esta talvez mais reconhecível como “fotografia”, face ao âmbito profusamente ilustrado e divulgado do fotojornalismo artístico, em jornais, revistas, prémios, etc. O documentário social tem características próprias que o distinguem e valorizam, a actualidade do tema, a ética, o humanismo, etc, contudo na utilização do preto e branco, é hoje práticamente impossível distinguir entre fotógrafos, Garry Winogrand, William Klein, Henry Cartier-Bresson, Robert Capa, James Nachtwey, firmaram o idioma desta categoria fotográfica, pelo que é sobretudo através da identificação do tema, que se faz a separação entre autores. Porém, a profundidade com que é trabalhado, a proximidade e a sensibilidade do fotógrafo e quiçá, a ubiquidade da presença mediatizada, são os factores que o tornam talvez no mais apetecido registo fotográfico, pelo grande público. Nesta exposição, são apresentadas visões da vida nas prisões na Rússia e Ucrânia, de meninos de rua e da toxicodependência.

No Museu do Oriente, Topologias, de Edgar Martins, que está também exposto, como nomeado, na exibição do prémio Bes Photo 2008, no Museu Berardo. Alguns excertos: «Ele (o trabalho) focaliza-se nos espaços onde se vislumbra a polaridade entre o espaço construído e o espaço natural. É um trabalho baseado em metáforas muito simples. À primeira vista, penso que poderia dizer-se que lida essencialmente com dois temas: o impacte do modernismo no meio ambiente e a fotografia enquanto processo de representação. O meu trabalho é auto-referente, ou seja, comunica ideias sobre o quão difícil é comunicar (…) Quando as coisas são simples, as pessoas são levadas a comprometer-se com o trabalho. Também me agrada partir do princípio de que a minha obra as leva a reflectir na fotografia como um processo. Os meios de comunicação tornam-nos muito passivos em relação à imagem visual. O que eu pretendo verdadeiramente é que as pessoas se comprometam cada vez mais com a imagem e com o ambiente exterior.»;

Sobre a série representada na imagem exposta (O Teórico Acidental): «Todo o meu trabalho que envolve a noite lida com a questão da representação através da ausência.(…)Estou interessado no aspecto teatral das imagens, na performance, mas não no sentido tradicional da palavra. Estou interessado em representar a performance do mundo consigo próprio enquanto conjunto de processos e factos.(…)Muitas vezes perguntam-me se estas fotografias são feitas com recurso a pequenos cenários de estúdio. A ambiguidade é importante porque confere ao trabalho um lado teatral que é o que dá vida às imagens. A luz misteriosa é uma característica que une todos os trabalhos nocturnos e um dos aspectos que transmite uma carácter surreal a estas obras.(…)Haverá pessoas que vão considerar que são controladas digitalmente – mas a verdade é que não são. Não há qualquer intervenção da minha parte, para além do enquadramento.»

Este trabalho de Edgar Martins aponta para uma simplificação dos códigos estruturantes da linguagem conceptual (e convencional) na fotografia, ainda que não deixa de ladoa noção de explicação da arte, contudo o objectivo é aproximar, não distanciar, num atitude que talvez apressadamente se possa designar de pós-conceptualista. Karl Popper tem uma posição muito semelhante sobre a linguagem, tornando-a difícil, leva-se à incompreensão e ao abandono, Einstein, por sua vez falou na diferença entre simplificar e tornar simplório. O artista parte de algumas das convenções idiomáticas da fotografia, sem perder de vista o aspecto ambivalente da representação/simbologia da imagem, na série Paisagens do Além, reverte para o aspecto belo e sublime, ancorando a perspectiva da morte e da mutação, partilhando com Roni Horn o fascínio pela Islândia,; na série O Teórico Acidental, o aspecto representacional faz-se também pela ausência, o que pode ser revelado pela escuridão; em O Ensaio do Espaço, a narrativa sobre o impacto do fogo na floresta portuguesa, que embora reflectindo sobre a impotência, apresenta também a capacidade de regeneração, o mito da Fénix; em Aproximações, o contacto com os Terrains Vagues, em que à semelhança com John Gossage se fazem experimentações formais, neste caso de luz.
Na escolha do título Topologias, pode ser entendível a associação com a corrente americana designada como “novos topógrafos”, com quem parece ser partilhável uma visão artística objectiva, apoiada em rigor formal, analítico, quase parecendo tabelar em Robert Adams no acto de apreciação da beleza ao mesmo tempo ambicionando à mudança social, estetizando, sem no entanto deixar de remeter para uma realidade que é mais complexa que aquela que qualquer imagem pode abarcar.