Arquivo de ‘entrevista’

Isaac Pereira é o último dos entrevistados, de um grupo de pessoas que nos “Emergentes” de Braga partilhou imagens, experiências, imagens e como não podia deixar de ser, algum divertimento. Oriundo da área de Ciências da Comunicação e do Jornalismo, tem feito um percurso de aprendizagem em Fotografia no Ar.Co. Procura-se aqui dar uma pequena perspectiva sobre uma série de trabalhos que vai mostrando, os quais são fruto da sua “inexperiência” como faz questão de afirmar, mas que certamente se ficam também a dever a muito labor, empenho e reflexão.

abp) Donde é que vem a tua fotografia, quais são os autores que te influenciam?

Isaac Pereira) O que faço vem do começo dos meus tempos. Sempre compus imagens e registei experiências através do olhar. Tenho, como todos temos, mas receio que em mim seja obsessivo, uma película constante de imagens que desfilam no meu pensamento e que registei desde criança. Talvez por isto me sinta melhor no monocromático. Gosto do lado plural de uma imagem, na absoluta liberdade de a interpretar. Desse jogo onde se movem todos os afectos e sensações. É daí que vem a fotografia. Ela apresenta-se como uma voz. Depois há a decisiva influência de um homem que fotografou a minha família: o meu padrinho, José da Silva. A ele devo o olhar que tenho sobre mim e os meus pais, por exemplo. A ele devo ver o que de outra forma jamais poderia ser visto. A fixação da imagem num tempo tangível mas depois, com o passar do próprio tempo, tão intangível, sempre me fascinou!!! Agradam-me imagens cruas, pouco sujeitas a composições muito elaboradas, mas que se produzem no interior de um instante mais ou menos duradouro e não necessitam de muitos tripés, de muitos efeitos e fontes de luz. Mas não pretendo negar a fotografia dita “construída”, pelo contrário. Seria negar a própria natureza do meio, na medida em que toda a fotografia é construída.

Oa meus autores vêm da fotografia social dos primórdios, onde Jacob Riis, se apresenta como referência, até Lewis Hine; depois todo o trabalho da Farm Security Administration, onde pontificou Dorothea Lange; e um certo fotojornalismo que vai de Werner Bishop; Ed Van der Elsken a Walker Evans; passsando por muitos fotógrafos da Ásia como por exemplo o japonês Ihei Kimura. Aprecio imenso a obra de Sudek e Koudelka. E claro, não podiam faltar Robert Frank e Ralph Gibson. – o trabalho sobre o sonâmbulo é central – Recentemente “descobri” um olhar que me foi dado conhecer por um fotógrafo amigo, o de Michael Smartone, autor dos anos 70; há também Ralph Eugene Meatyard, e tantos outros: Brian Brake, Robert Capa. Não posso deixar de referir um grande fotógrafo português: Paulo Nozolino. Um dos fotógrafos de quem mais me aproximo, autor de imagens que em tudo têm a ver com o universo que procuro representar. Nozolino é um poeta forte.

abp) Quando dei a primeira passagem pelo teu site, a ideia que me ficou foi essa que confirmas, a de uma certa “filiação” nas imagens do Paulo Nozolino. Por um lado, em que medida é que pensas que o teu trabalho se aproxima do dele, por outro, não crês que essa forte identificação possa ser um obstáculo ou não vês o reconhecimento autoral como uma questão?

Isaac) Penso que o reconhecimento autoral é um aspecto importante. Mas só o é dentro de um conjunto de outros aspectos. Não diria tratar-se de uma “filiação”, diria antes que o meu olhar, também é cúmplice daquele olhar. É próprio das influências, é o que acontece quando observas, pela primeira vez, uma imagem de alguém. Ou se sente ou não se sente cumplicidade. É natural. Curiosamente, essa ligação ao literário, ao ficcional existiu sempre em mim, pois desde jovem que encontrei na escrita, a economia que a fotografia não me possibilitava. Desde jovem que escrevo. E os meus textos são textos carregadíssimos de imagens. E é lá, nesse lugar chamado real que elas nascem, para depois, se transfigurarem. Somos sempre tocados pelo que nos toca: pelo desejo, pela solidão, pela morte, pelo sofrimento, pela memória, pela nostalgia…por sensações fortes. Nessa medida o que fotografo está próximo não apenas do trabalho de Paulo Nozolino mas de outros tantos fotógrafos.

Penso que é assim que acontece a toda a gente, não? Há tempos, um professor disse-me, quando viu um conjunto de imagens, que encontrava muitas semelhanças com Robert Frank, por exemplo. Senti-me embaraçado porque não tenho o fôlego de um artista como ele. Mas é bom, sentir essa proximidade. Depois há o modo como se fotografa. Sou dos fotógrafos que literalmente fotografa por aí, vadiando. A minha vida só não é igual à da maior parte das vidas porque eu ando sempre com uma câmara fotográfica colada ao corpo. Sempre, todos os dias, a todas as horas. Não faço projectos “à priori” para séries fotográficas.

Não penso que estas proximidades possam ser um obstáculo ao trabalho criativo, sobretudo quando se procura estabelecer um equilíbrio entre os aspectos formais e o que as imagens propõem contar e dizer. Volto ao reconhecimento autoral: Penso que é algo que, a existir, existirá naturalmente. É algo que transportas e que a experiência te permitirá ou não, aprofundar. Não há lugar a uma obsessão pela procura da marca, se a marca já estiver dentro de ti.

abp) As séries que apresentas parecem assentar numa estrutura narrativa algo poética, aparentemente pouca ligadas a correntes estéticas “realistas” ou documentais, embora frises autores que te influenciaram e que pertencem a essas correntes.

Isaac) Concordo. O que me tenho proposto fazer é superar essa associação aparente e concretizá-la, ligando-a a um narrativa para a afastar do real. A questão sempre se colocou: o que é o real? Sucede que “o real”, para mim, é documento, e mesmo assim é documento construído. Daí que “o real”, enquanto entidade objectiva não exista. Quando muito podem existir factos, que logo são conhecidos e se transformam. Mesmo o realismo é a transposição de uma realidade aparentemente objectiva para uma esfera subjectiva e logo, mais ficcional. Acontece ser isto que me agrada em fotografia: partir de uma realidade aparente, de factos concretos, e obter uma pluralidade de sentidos, de visões do mundo, uma pluralidade reflectida na recepção dos outros e na própria recepção que eu faço. Considero essencial esta experiência de sentido. O mundo está inundado de documentos. Não digo que o documento deva ser abandonado, mas que a seu lado devem estar outros sentidos.

abp) Lendo os títulos das tuas séries, existe praticamente em todos eles uma ligação com a palavra, escrita ou falada “um incerto diário”, “sombrias palavras”, “a fala”, “estórias perdidas”, “mas não estou só, tu disseste”. Em que medida é que isso pode ajudar à definição e coerência do trabalho?

Isaac) O meu trabalho procura ser um diálogo permanente comigo e com o exterior. Julgo que, de algum modo, os títulos, que remetem sempre para um universo literário, tentam exprimir essa coerência.

abp) A fotografia não é um espelho da realidade, pode ser um processo de construção do real?

Isaac) A realidade é um conjunto de acontecimentos, de sensações e de olhares sobre esses factos, sobre essas sensações e sobre esses próprios olhares. Às vezes, brinco dizendo por exemplo que, se a realidade fosse o que as televisões nos dão a ver, então não haveria lugar ao conhecimento de outra realidade. O mesmo, em relação à fotografia e a todos os media. Neste sentido considero que tudo é um processo de construção do real, esse conceito que parece ser tão concreto mas que, se pensarmos bem, é tão abstracto. Os media são máquinas. Vivemos no meio de meios-máquinas. Meios de construção? Sim. Mas de que construção? Infinitas construções. Mas não todas iguais. Não. Felizmente. O medo é esse: que tudo tenha uma construção igual e repetida. Como evitá-lo? Pondo o teu sentimento e o teu pensamento entre a máquina e a construção que ela faz, automaticamente. Fazer com que a tua imagem seja a imagem de ti e não a imagem da máquina. É a velha questão sempre presente.

abp) John Szarkowski certa vez falou em janelas e espelhos. As imagens-janela seriam aquelas viradas para o mundo, as espelho, seriam as mais viradas para o universo interior, para o Eu, tendo também afirmado preferir as primeiras às segundas. O teu universo parece ser mais de espelho do que de janela, concordas?

Isaac) Quando fotografo não penso em termos  de janela e de espelhos. Muito menos quando estou com as imagens à frente do olhar. Contudo gosto da imagem-metafórica de Szarkowski embora não encontre nessa distinção retórica nada de especialmente delicado.  Poderia até dizer que toda a imagem é, ao mesmo tempo, um espelho e uma janela. O objecto que a imagem escolhe é sempre um espelho do sujeito que a faz. Há uma escolha. Essa escolha é um reflexo do espelho interior. Mas essa escolha também é feita a olhar para fora, pela janela do “eu”. Contudo, é curioso notar que, quer se trate de uma janela ou de um espelho, ambos emitem um reflexo. Sucede que é esse reflexo que me interessa na fotografia. O que me toca? É o espelho que me reflecte ou a janela por onde vejo? Só retoricamente creio possível esta distinção. Mas é uma distinção interessante. O que procuro é fazer com que as imagens se mostrem ao mundo, que elas próprias, em certa medida, reflectem. Mas esse julgamento, se é que existe um julgamento final e categórico, só pode ser efectuado no domínio da recepção, domínio no qual não me posso situar.

abp) Como é que vês a fotografia em Portugal actualmente?

Isaac) Observo que é necessário reforçar a defesa da Fotografia.

abp) Podes elaborar um pouco mais essa idéia? Em que é que a fotografia necessita de ser defendida?

Isaac) Da estonteante velocidade a que o lixo circula. É necessário fazer com que a fotografia esteja acima do seu tempo. E este tempo é o tempo em que tudo é reciclável. Reciclar pressupõe a existência de um ciclo de ciclos. Ora, há imagens que têm de estar acima dos ciclos temporais. Eis um perigo a que já fiz referência: o da repetição absoluta. Por outro lado é necessário continuar a reflectir sobre o estatuto da Fotografia enquanto meio de expressão artística, pensar de que modo a Fotografia é útil à sociedade. Por outras palavras, se eu quero, se tu queres, que a Fotografia seja mais do que um meio de entretenimento. Por outro lado, é importante que a Fotografia circule mais em livro e não seja votada ao espaço confinado e elitista da galeria. Dizem que as Utopias acabaram mas eu tenho uma: a de que a Fotografia deve estar na rua como objecto e sujeito de reflexão de que, já que falaste em Szarkovski, ela própria, a Fotografia, e não o seu autor, seja uma imagem-janela.

Desafiei o João Paulo Barrinha para um conjunto de perguntas sobre o seu trabalho, e embora inicialmente se tenha furtado, convenci-o com o argumento (in)falível de que eram perguntas simples, para um artigo que ninguém leria. Embora se possa pensar que está em causa a seriedade do acto, tal tese é já em seguida contrariada…

1) Não sei se nasce fotógrafo, mas partindo daí quando nasceu o fotógrafo que há em ti e em que fase se
encontra actualmente.

De uma forma indirecta, desde criança que tenho contacto com processos
fotográficos. O meu pai era fotógrafo amador,  e tínhamos em casa duas câmaras fotográficas, o que, naquele tempo, não era vulgar.  Embora o meu pai, pouco mais fizesse com a fotografia que, os agora vulgaríssimos registos familiares, o facto de ter um conhecimento técnico na área, acima da média (também devido ao facto de ser, na época, técnico de Raios X) proporcionava, por vezes, algumas conversas relativas ao assunto. Mas, que me lembre, o primeiro verdadeiro click  deu-se aos 18 anos, quando vi uma câmara fotográfica usada à venda numa montra. Eu e o meu irmão, tínhamos umas poupanças guardadas de um trabalho de verão, pedimos conselho ao nosso pai, e lá comprámos a Pentax Spotmatic II, que o meu irmão ainda possui. Logo de seguida, comprámos um livro didáctico destinado a principiantes, e lá começámos a experimentar todos os exercícios propostos.

De há três-quatro anos para cá, e após diversas fases, entre o passar por ser repórter fotográfico, por formação técnica e artística, e por longos períodos em que as câmaras ficaram na gaveta, ressurgiu em mim, um novo olhar. Sinto esta fase, quase como que um renascimento fotográfico. Onde vou buscar influências das primeiras e pouco amadurecidas experiências de cariz artístico, explorando-as agora com maior maturidade psicológica e conceptual, ao mesmo tempo que faço uma espécie de síntese de todas as anteriores fases por que passei no meu percurso fotográfico.

2) Sendo sempre complicado e quiçá redutor atribuir um significado específico a um trabalho, existe contudo a questão da escolha, porque é que o artista acha que é significativo aquilo que mostra. Nestas duas séries que apresentas, o que tem elas de significativo para ti?

Estas duas séries são, numa primeira leitura, um retrato irónico de uma sociedade de consumo. De uma sociedade que, não só consome os recursos naturais, mas acima de tudo, se consome a si própria. Traço de forma caricatural, uma certa ideia de decadência, (ou de permanência num determinado status quo, como se quiser interpretar) mas uma decadência que parte de cada um em particular, para o todo, para a sociedade. São imagens de carácter existêncialista. Retratos de um certo estado de caos, um caos interior, mas em permanente ordenação.No fundo, pretendo falar da forma como a nossa mente funciona. Numa permanente e sempre incompleta organização do nosso caos, o caos dos nossos sentimentos, das nossas angustias e “excentricidades”… Sempre em permanente procura por algo a que chamamos “racionalidade”. Nesse processo, falo de mim, mas acima de tudo, tento falar dessa condição que é ser-se humano.

3) Decadência, autofagia, desorientação generalizada, termos que frequentemente se podem encontrar numa avaliação mediatizada da realidade. É a tua opinião pessoal ou uma critica à forma como os media colocam as questões e inclusivamente criam os factos? Esse existencialismo não te parece também um dos fundadores desta atitude contemporânea que descreves, ao dedicar toda a primazia ao homem e nada a Deus (ao espírito)?

Há, evidentemente, afinidades entre algum do meu trabalho e o do Duane Michals. Mas também as há, relativamente à obra do Robert Frank, e do Wiliam Klein. Na verdade, julgo saber que foram estes dois autores, que iniciaram esta linha de abordagem à imagem fotográfica, tendo, a partir daí, surgido imensos outros autores a explorá-la. Normalmente não me preocupo muito com essa questão de saber com quem ou com o quê, o meu trabalho tem afinidades. Ele tem que ter, primeiramente, afinidades comigo. Tem de ser verdadeiro para mim, e não ser algo que eu faça porque vi em algum lado e achei piada. A partir daí, se encontrar outros trabalhos que coincidam com a exploração que ando a fazer, fico contente. Para mim, isso quer dizer que sou humano. E como tal, penso como um humano pode pensar.

Na verdade, da primeira vez que me ocorreu juntar várias imagens  num único painel semelhante a um puzzle, não conhecia devidamente a obra do Robert Frank, e nessa linha, o que melhor conhecia eram as polaroids do David Hockney http://www.autrynationalcenter.org/yosemite/hockney.php?height=480&width=530 Mas não me identificava, naquela época, com aquele género de exploração da imagem… Para mim, uma imagem fotográfica, era, (e ainda é um pouco) algo que teria que ser produzido e completado dentro de um determinado espaço, o espaço do negativo ou do papel fotográfico que a delimita. Ora, o David Hockney, fazia continuar as imagens, apenas porque o assunto que elas registam continua, sendo que, nenhuma das imagens em separado, poderá “viver” por si. Mas as minhas podem. E o que continua nas minhas imagens, não é a realidade, mas a imaginação…

5) A estrutura em ‘grelha’ quase omnipresente nos teus últimos trabalhos, é frequentemente vista como uma das imagens de marca do Conceptualismo? Corroboras?

A subversão da linha temporal, é um outro recurso que tenho usado diversas vezes, para criar as tais “imagens imaginárias”… Nesse caso, não será através de linhas condutoras que o observador imaginará uma imagem materialmente inexistente, mas através do “engano” quanto à sequência temporal que dou às sequências…Chamo-lhe “engano” (entre aspas) porque, por um lado, o espectador desprevenido não se apercebe que estará a ser induzido a “ver” algo que, realmente, não aconteceu. Ou, pelo menos, não aconteceu exactamente daquela forma… Por outro, o espectador mais atento pode aperceber-se disso, uma vez que é comum eu explicar o facto dessa manipulação estar presente. Mas como os espectadores distraídos estão em esmagadora maioria, o engano acaba por resultar de forma efectiva, e nesses casos, a imagem imaginária torna-se na ilusão (quase) perfeita.

A importância que isso tem para mim… Por um lado, e tal como no caso anterior, esta é uma forma de questionar o realismo da fotografia. Por outro, é uma forma de ter poder sobre o tempo, enquanto que a outra, será uma forma de ter poder sobre o espaço. No fundo, todos nós gostaríamos de ser um pouco Deuses… Talvez seja por isso, que a arte existe…

7) A um fotógrafo pode-se perguntar o que anda a ver?

Perguntar, penso que pode… Só que, não sei se poderei responder de forma muito concreta, uma vez que ando a ver o que calha…Digamos que, ultimamente, vi essencialmente fotografia  contemporânea. E por vezes, alguma fotografia antiga. Dentro da fotografia contemporânea, vi recentemente algumas  Exposições dos Encontros da Imagem, em Braga, porque passei por lá devido a outros motivos e não quis deixar de espreitar em algumas galerias. Tive pena de não ter podido ver mais…  O tema deste ano, “fronteiras do género”, explorou em exclusivo o “olhar” no feminino. Assim, foram convidadas apenas autoras (mulheres) para expor…Não sei se o “olhar feminino”, será muito diferente do “olhar masculino”… Alguns olhares serão certamente, outros nem tanto… De qualquer forma, (é pena) não consegui ver exposições suficientes para fazer essa estatística. Mas, num rápido desfolhar do catálogo (que não é, nunca, a mesma coisa) encontra-se uma grande
incidência de temas intimistas e/ou existencialistas, como por exemplo família, relações de amizade, ou a relação com o corpo.

Das exposições que vi, ficou-me mais na memória a da São Trindade, com o seu enigmático calendário em que os dias da semana, inscritos em francês, aparecem (não na ordem correcta) por baixo de imagens de umas pernas femininas vestidas com meias de licra. As meias vão-se rasgando, mas também, não necessariamente em sintonia com o passar do tempo… Um pequeno texto, que acompanhava as imagens, rezava assim: “Naquele dia, o Senhor fará desaparecer todos os adornos: os adornos dos pés, os colares em forma de sol e de lua (…) E então, em vez de perfume haverá mau cheiro; e em vez de cinta uma corda (…) em vez de beleza, uma horrível cicatriz. (Is 13,18 – 24) “São imagens muito fortes. Tanto as que se poderiam ver na parede, como as que imaginamos ao ler a passagem ali colocada (que presumo ser Bíblica) .

Relativamente à fotografia antiga, fui ver a exposição “arquivo Fotográfico”, no CCB. Trata-se
de um poderoso (e imenso) arquivo de imagens dos mais variados géneros, que, no seu conjunto, nos fala da forma como a fotografia tem vindo a ser usada pelas mais diversas correntes, desde
filosóficas, económicas ou políticas (a parte da fotografia russa está extremamente bem  documentada) tanto para serviço, como para manipulação das sociedades e da história.

8.) Existe algo de especificamente português na tua fotografia? Que te parece a produção contemporânea portuguesa?

Não, de exclusivamente Português, penso que não. A não ser que consideremos um certa atracção (quase romântica) pelo antigo, pelo abandonado, como uma manifestação da nosso tão  característico saudosismo… Mas não acredito que o sentimento de saudade seja exclusivo Português, embora apenas nós tenhamos inventado uma palavra para definir exclusivamente esse sentimento. Essencialmente, penso que há algo de humano na minha fotografia. De humano, porque sou humano. Sinto e penso como humano. E nas minhas imagens, falo muito do ser humano e de alguns dos seus conflitos interiores.

Quanto à produção contemporânea Portuguesa… Penso que estamos finalmente a começar a acordar para a fotografia. Tardiamente, como em (quase) tudo, mas mesmo assim, estamos melhor agora que há 10 anos, quando pura e simplesmente, não se vendia fotografia nas galerias. Isto claro, com as devidas excepções para, por exemplo, a Helena Almeida, o Jorge Molder, e talvez apenas, mais meia dúzia de autores. No entanto, esta evolução não tem só o lado positivo… Tal como noutras situações, estamos também a “importar” olhares… O “olhar frio”, de influência Alemã, é talvez o maior exemplo disso.  Sinónimo de modernidade? Talvez, mas a palavra modernidade (agora na nova versão “pós-moderna”) não pode ser confundida com normalização…

9) E para terminar, uma daquelas perguntas típicas dos questionários de Verão, que só não se aplica na totalidade porque estamos na Primavera… Quem seria o casal perfeito da fotografia?

Bom, a avaliar pelo calor que fez hoje, dir-se-ia melhor, primavera/verão. Assim, a pergunta ficaria também mais condizente com a “moda”… E por falar em modas, penso que o casal perfeito já existe: é o casal Becher. (Não confundir com o casal Beckham, esses mais ligados ao cinema). Os Becher, professores de fotografia na Alemanha nos anos 80, foram os iniciadores de uma das maiores, se não mesmo a maior, moda da fotografia contemporânea. Devido a eles, institucionalizou-se chamar a essa moda, de Escola Alemã, ou Escola de Dusseldorf, quando, na opinião de Sérgio Mah, um dos mais conceituados (se não mesmo, o mais conceituado) curadores/teóricos da fotografia Portugueses, não existe Escola Alemã. Ainda segundo Sérgio Mah, o que aconteceu foi somente que,
um grupo de ex-alunos deste casal ganhou prestígio e fama seguindo as suas ideias relativamente à fotografia. Essas ideias e alguns dos seus temas “fetiche”, (indústria e urbanismo), aliadas a impressões fotográficas de formatos gigantesco, transformaram-se numa moda por todo o mundo, e que, como refiro na minha anterior resposta, em Portugal está para durar. Pelo menos, a julgar por algumas das propostas apresentadas este ano no BesPhoto…

Cruzei-me com este trabalho de Cátia Aguiam na última Bienal de Vila Franca, em Novembro passado, acontecimento sobre o qual escrevi neste  post, tendo surgido a oportunidade de uma pequena entrevista com a autora, abaixo reproduzida.

ABP – Começo por desfazer o equívoco de ter pensado que este trabalho que apresentaste na Bienal de Vila Franca  estaria a concurso, pois não notei que se tratavam apenas de 4 imagens quando o regulamento pedia 6 para poder concorrer aos prémios. Como é que surgiu o convite para lá expôres?

CA – Este trabalho – Família – faz parte do meu projecto de final de curso na ETIC, na área de fotografia criativa. Na altura da apresentação do trabalho ao júri convidado, a escola decidiu que seria eu a representá-la na Bienal de Vila Franca de Xira, como aluna do ensino profissional. Para mim foi um privilégio que funcionou também como um incentivo a continuar com estes tipos de projectos. Foi também importante porque deu um pouco de visibilidade ao que faço.

ABP – Como é que surgiram estas imagens?

CA -Explicar como é que uma ideia surge nunca é fácil para mim, mas vou tentar! Não posso negar que o que faço, o resultado final, tem algo de mim, no sentido  e na forma como observo, absorvo e penso o que me rodeia. Assim sendo, não posso dizer que estas imagens surgiram de uma só ideia, mas sim de várias! O que posso afirmar é que me inspirei em anúncios televisivos diversos, desde cervejas, detergentes, óleos de cozinha, carros, telenovela, o canal MTV, etc. É a partir do conjunto dessas influências que nasce o pensamento crítico que  é transmitido nesta série “Família”, pois para mim, os anúncios publicitários são veículos que reflectem muito bem a nossa sociedade. Quanto ao processo criativo propriamente dito, após um primeiro período de observação e pesquisa, nasce a vontade de partilhar ou expulsar o que vai cá dentro, mas que ainda não tem por vezes uma forma concreta!  Por exemplo, as máscaras e as situações encenadas foram modos descobertos à posteriori para transmitir as idéias!

ABP – Nota-se trabalho de “produção” a vários níveis, conta-nos um pouco da feitura das imagens.

CA – De um modo prático, a maior dificuldade na realização das imagens foi pela tentativa em me aproximar o mais possível ao que imaginei nos momentos de criação. Nessa tentativa de mostrar os pormenores, nem sempre  consegui operacionalizar tudo, porque houve imagens que surgiram na minha cabeça  totalmente completas e detalhadas, mas que depois por factores vários não foi possível realizar do modo imaginado! Quando isso não aconteceu, tentei encontrar a pessoa que melhor se adequasse à personagem e encontrar espaços viáveis. Por exemplo, a imagem na piscina, eu queria transmitir a competitividade feminina, tinha idealizado a situação numa piscina de competição, mas como houve autorizações que estavam a tardar muito em sair e outras que nunca  cheguei sequer a obter resposta, tive que procurar alternativas, acabando por encontrar a piscina que utilizei e assim, adaptar toda a ideia a um novo espaço. Ou seja a maior dificuldade foi fazer com que tudo o que foi pensado se tornasse realidade, sem fugir à ideia inicial!

Desta forma, esforcei-me para que a iluminação, guarda roupa, adereços, cor e personagens estivessem todos em concordância, sendo que a única coisa que não tive a possibilidade de fazer foram as máscaras das partes do corpo. De resto, todos os elementos foram por mim tratados e compostos,  tendo surgido como resultado do que aprendi nos últimos três anos do curso que frequentei na ETIC, parte técnica e comunicação visual, bem como das minhas experiências pessoais!

ABP – Já acabaste o curso, tens conseguido viver da fotografia?

Ao que parece essa é que é afinal a parte mais difícil! Na verdade, ainda não tive muito tempo para me organizar na procura de trabalho. Primeiro, porque após o terminus do curso, fui convidada a participar no projecto Leonardo Da Vinci, que me possibilitou ter estado os últimos meses do ano em Málaga em estágio. Até ao momento, os currículos e portfolios enviados na área de publicidade e moda, não obtiveram uma resposta totalmente positiva para mim. Deste modo, vou colaborando numa empresa familiar na área de reportagens, www.gloriaguiam.com.

Existe em Portugal um conjunto de autores, que além da expressão artistica pela qual são vulgarmente conhecidos utilizam outras vias de expressão, nomeadamente a fotografia, que de algum modo exploram em paralelo aos seus trabalhos principais. Hernâni Faustino é o primeiro nesta série de entrevistas a ser indagado acerca das possiveís conexões e motivações destes cruzamentos de linguagens, no caso entre a música e a fotografia. Trata-se de um profundo conhecedor do Jazz, sócio fundador da loja de jazz Trem Azul, com ligações naquela que é também a editora portuguesa com maior protagonismo na cena jazz internacional, a Clean Feed. A nível musical surge-nos na faceta de contrabaixista ligado ao jazz de improvisação, mas ultimamente tem-nos revelado uma outra faceta, a de fotógrafo. É comum na linguagem jazzística sobretudo mais ligada às correntes Bop (bebop, neobop, hardbop, freebop, etc) a noção de “respeito” pela tradição, situação que não parece tão visível nos músicos mais ligados ao movimento free improv que por vezes nem sequer se identificam como músicos de jazz. Sublinho essa noção, não pela necessidade de catalogação da fotografia aqui apresentada, mas porque pese embora  as influências fotográficas citadas, em nenhuma delas parece a fotografia de Hernâni Faustino assentar de modo claro ou definitivo, provavelmente devido a essa aitude do “quebrar de regras”, de expressão criativa mais livre ou até abstracta, quiçá herdada ou conotada também com o movimento de improvisação no jazz, no qual Hernâni Faustino tem vindo a cultivar alguma da sua música.

ABP- Hernâni, tenho vindo a acompanhar alguma coisa do teu trabalho fotográfico embora ainda não tenha tido o prazer de ouvir o teu projecto musical, brecha essa que espero colmatar em breve. Fala-nos um pouco da origem da tua veia fotográfica.

HF – É uma origem muito intuitiva! O meu interesse pela fotografia surgiu por volta dos 14 anos quando recebi a minha primeira máquina, uma Kodak Instamatic, era uma máquina muito simples, mas fez nascer em mim um grande interesse pela fotografia. Anos mais tarde comecei a usar a minha primeira reflex, uma Zenit-e , uma máquina fabricada na ex-União Soviética totalmente manual, que me permitiu explorar e aprender (à custa de muitos rolos estragados é certo) trabalhar tempos de exposição, profundidade de campo, focagem, etc. Com esta máquina que ainda possuo, comecei a estar a par das imensas possibilidades das objectivas.

ABP- Que autores ou correntes da fotografia te influenciam ou influenciaram?

HF – Acho fascinante as primeiras imagens e toda aquela envolvência misteriosa que as rodeia. Gosto imenso de Edward J. Steichen, Alfred Stieglitz, William N. Jennings, Paul Strand, André Kertész, Lee Friedlander e muitos outros. Penso que de uma certa forma sou influenciado pelas mais variadas correntes e autores, embora não goste de os catalogar. Confesso que tenho um certo fascínio por longos tempos de exposição e imagens difusas….gosto muito do trabalho da Francesca Woodman, Miroslav Tichý, Paulo Nozolino, Jorge Molder e da Helena Almeida, ou das concepções do Saudek, e acho espantoso o trabalho conceptual dos fotógrafos Robert and Shana ParkeHarrison e do Joel-Peter Witkin.

ABP- Mistura o teu jazz e a tua fotografia, o que sai?

HF – Para mim o jazz é improvisação. A relação entre a minha música e a fotografia é completamente intuitiva, ou seja não determino ou estabeleço regras para conseguir uma determinada imagem, embora seja um pouco difícil fazer esta analogia. Mas provavelmente ficará mais visível uma parte de mim através destas duas formas de arte…desenhos com luz e som.

ABP- Que paralelos encontras entre estas duas formas de expressão?

HF – Encontro vários paralelos!Como forma de arte as abordagens são diferentes, embora eu veja nelas algumas semelhanças. Eu sou um improvisador! A música que eu toco é na grande maioria das vezes improvisada, sem rede, quanto muito poderão existir pequenas estruturas ou por vezes pequenos motivos que são desenvolvidos na improvisação. As minhas fotos seguem o mesmo princípio, são intuitivas, nunca sei muito bem o que vai acontecer, gosto de improvisar com a máquina fotográfica, correr riscos, explorar a velocidade, congelamentos, excessos de luz…enfim acho que de uma forma muito pessoal encontro muitos paralelos entre a minha fotografia e a minha música.

ABP- Fala-nos agora um pouco do teu trio RED, sei que gravaram há pouco.

HF – Estou muito contente com o trabalho desenvolvido com o RED trio. O grupo tem um ano de existência e durante este período demos alguns concertos e o projecto ganhou uma linguagem própria e uma consistência e coerência como grupo. Conseguimos encontrar uma unidade no nosso som e isso é fantástico. O pianista Rodrigo Pinheiro e o baterista Gabriel Ferrandini são músicos com imensas qualidades e antes do mais são excelentes pessoas. Estivemos durante 3 dias em Julho no Fundão, no auditório da Moagem a gravar o nosso primeiro disco. Foi um processo descontraído e gravamos sem qualquer tipo de pressão, o que é excelente.

ABP- Tens também participado noutros projectos musicais…

HF – Habitualmente toco na Viariable Geometry Orchestra dirigida pelo violista Ernesto Rodrigues. Durante este ano gravei dois discos para a editora Creative Sources, um deles acabou de ser editado, é uma composição para string trio + doublebass do compositor alemão Nikolaus Gersewski, intitulado Ordinary Music vol. 3, o outro foi com o guitarrista escocês Neil Davidson, Ernesto Rodrigues e o Guilherme Rodrigues, este deverá ser editado na primavera de 2009. Estes projectos musicais são particularmente interessantes para mim, uma vez que a música percorre sonoridades bem distantes do que habitualmente se ouve na improvisação convencional. Toquei a convite do Rafel Toral no seu Space Trio.

Colaboro também com o octeto A Parte Maldita, com os músicos António Chaparreiro, Nuno Rebelo, Rui Alves, Fernando Fadigas, Miguel Sá, Abdul Moimeme e Jorge Serigado. No final do ano tive o previlégio de tocar na festa de aniversário dos 60 anos do Carlos Zíngaro e de tocar em trio com o Vítor Rua.

ABP- Projectos futuros para as tuas artes?

Como sabes sou um fotógrafo amador. Não tenho grandes preocupações nem pretensões com a minha fotografia, espero continuar a fotografar e talvez um dia poder expor algumas delas. Em relação ao futuro, espero evoluir cada vez mais de forma natural e sem grandes preocupações técnicas, pois acho que se aprende muito com os erros. Espero melhorar um factor que para mim é determinante na fotografia: a sensibilidade e o nível artístico. Continuar a trabalhar com o RED Trio e poder colaborar em alguns dos projectos que estou envolvido. Espero poder tocar com músicos interessantes e evoluir mais como músico. Como fotógrafo, espero consolidar o meu trabalho e poder acrescentar algo de pessoal nesta forma de arte cada vez mais global. Gostaria de fazer uma exposição de fotografia em 2009.

Música ::::::::: www.myspace.com/hernanifaustino

Fotografia ::::: www.olhares.com/Costeira