Arquivo de ‘exposições’

Este foi eleito o mês da fotografia em Almada, com um conjunto relativamente amplo de iniciativas, nas quais se inclui a minha exposição “180 graus“, que estará em exibição no Convento dos Capuchos até final do ano. O programa pode ser descarregado aqui.

Uma exposição de Joel Peter Witkin, numa das minhas cidades favoritas, Évora. Até 28 de Fevereiro.

O presidente da Câmara de Paris e pelos vistos também vogal da comissão da Patetice, proibiu a entrada a menores de 18 anos na última exposição de Larry Clark “Kiss The Past Hello” no Musée d’Art Moderne, alegando imagens de carácter pornográfico, incitando ao consumo de drogas, etc. Que dirá dos Morangos com Açucar (não sei como é que se diz em francês) locais?

Link para algumas das imagens na HUH. Se tiverem menos de 18, pf não aborreçam o senhor…

Portugal está cheio de África, cheio de fotografia africana entenda-se. Uma medida neocolonial decente dos mandantes da cultura indígena seria impedir a exposição de Malick Sidibe de sair do país… certamente não se combateria a bancarrota, mas talvez as imagens servissem de inspiração a alguns lusitanos mais necessitados de exemplos de simplicidade e humildade. O melhor mesmo, é pensar em comprar um livro.

Africa: See You See Me. Outro exemplo vindo do continente negro, este acerca do ecletismo da representação fotográfica – a de dentro e a vinda de fora – das africas, patente no Museu da Cidade, Lisboa. Dividida em 3 partes, a exposição apresenta paradigmas de várias práticas e abordagens, mas em que regra geral parece dominar o cariz documental, de influências da fotografia “humanista” europeia, não obstante uma ou outra excepção de raiz mais conceptual. Por um lado, a forma como os africanos se vêem a eles mesmos, quer do ponto de vista do fotógrafo quer do fotografado. Depois, os pontos de vista de fotógrafos não-africanos, mas que de certo modo exibem algum grau de integração ou colaboração com o meio que fotografam. Finalmente uma fotografia de cariz mais etnográfico, apontando à herança do retrato efectuado por colonizadores. O âmbito é também o de fornecer um contraste entre a visão da fotografia do antigamente, apontada como sendo colonialista e aquela que se pratica hoje, ou pós-colonialista. Por vezes, a barreira torna-se pouco clara entre o que pode ser ou não um “discurso colonial” do ponto de vista fotográfico. Embora não esteja suficientemente informado sobre essa questão, quase toda a fotografia enferma de estereótipos, de preconceitos, de escolhas, de julgamentos, pelo que talvez o “colonialismo” se possa assumir como a noção desequlibrada destes preceitos, quando aplicados em imagens de países colonizados, por fotógrafos de países colonizadores e que afectam noções de historia, cultura, identidade e representação. Apagados fossem os nomes dos fotógrafos desta exposição e em muitas das imagens nos seria difícil aquilatar da origem ou posição do fotógrafo, quanto mais alinhavar um discurso pelo diapasão “colonialista”, e não estou com isso a confirmar ou desmentir a existência de imagens com esse pendor, mas apenas a verificar da dificuldade de verificar uma posição. A passagem de uma posição em que “o fotógrafo vê o outro como quer”, para “o outro é fotografado como deseja ser visto” é uma dialética que não se resolve o assunto da soberania visual por mera carta de intenções. O momento em que a fotografia “casou” com a antropologia, foi também o começo de algumas questões académicas cuja validade pode e deve ser questionada, pelo que esta seria uma excelente oportunidade para a produção de um documento intelectual (e de um catálogo) acerca do tema, embora na dita exposição nada se veja. Desconhece-se se o mesmo ainda virá ou não.

Permanecendo em África, ainda que por vias indirectas, a exposição Res Publica, na Fundação Calouste Gulbenkian, na qual em vários trabalhos fotográficos se podem vislumbrar questão ligadas às colonizações, antigas e modernas. Fotográficamente destaco Manuel Botelho (abaixo), que explora o still-life escultórico para criar pequenos tableaux que conferem sentido exploratório à construção proposta pelos curadores.

Saindo das africas, esta exibição na Gulbenkian aspira a uma abordagem mais global da noção de res publica, legítima sem dúvida, mas na qual contudo se parece por vezes esbarrar nalguns corpos estranhos. Dou como exemplo os retratos de Pierre Gonnord (abaixo), que contrastam nitidamente com o

sentido geral da exibição, em que o “cliente” vai desde o início sendo encaminhado para o universo artístico português e para as questões correlatas à portugalidade – que agora comemora o centenário da Republica – mas que de repente se vê colocado perante deambulações menos óbvias. Pierre Gonnord trabalha sobretudo questões ligadas ao rosto e ao retrato, lateralmente denotando influências da pintura. Gabriel Orozco trabalha o sentido escultórico de inserção no espaço e no tempo, aproveitando o ready made para sublinhar esses aspectos (ver imagem abaixo). Em ambos os casos, só algum esforço permite enquadrar estes trabalhos no sentido que se pretende dar a esta Res Publica, mesmo considerando um critério curatorial mais amplo. Certamente todas as escolhas tem uma justificação, seria interessante conhecê-la, pois que nalguns casos a obra em si já é suficientemente críptica ou opaca, e nos casos mencionados, nem a génese da mesma permite aquilatar da valia da mesma para a coesão desta exposição.

Pode no entanto estar a escapar algum detalhe, pois que algo desta dimensão é certamente estudado e analisado ao mais infímo pormenor, sendo nesse aspecto de notar positivamente a pertinência para o contexto proposto da inserção de 3 imagens de Taryn Simon, da série An American Index of the Hidden and Unfamiliar, as quais e ainda assim pesando a vontade de “globalizar” o assunto, não aparecem como óbvias para o ênfase geral, que parece pender claramente para a res publica lusa.

“Helena Gonçalves apresenta nesta instalação fotográfica uma série de retratos de figuras da nossa cultura e que, no seu entender, recorrem à expressão artística como forma de tornar melhor o mundo em que vivemos. Fotografias de grande formato em exposição no Espaço Ginjal tirando partido das caractertísticas físicas,  emocionais e de memória deste lugar. Ballet Gulbenkian (Adriana Queiroz, Benvindo Fonseca, Francisco Rousseau, Olg…a Roriz, Paula Fernandes, Sandra Rosado, Wilson Domingues), Diogo Dória, José Saramago e Rodrigo Leão retratados em situações de guerra e tensão, em ambientes frios, hostis e descaracterizados, com as suas “armas” sejam elas o corpo, os livros, os instrumentos musicais, testemunhando na primeira pessoa que, se cada um der o seu contributo, é possível o mundo ser mais consciente, mais justo, mais humano. Um apelo à nossa própria reflexão.”

A exposição é no Espaço Ginjal, Companhia de Teatro Útero, Rua do Cais do Ginjal, 53/54 Cacilhas, Almada, ali com vista para Lisboa e mesmo junto ao rio. A inauguração é a 11 de Setembro (sábado), às 18:30 e estará patente até 2 de Outubro, de 3ª a domingo das 17h às 21h.

Um dos amigos que fiz nos Encontros da Imagem em Braga, o Isaac Pereira, a quem já tive o prazer de entrevistar, vai inaugurar amanhã “Nada” no Clube Literário do Porto. As imagens do Isaac, o local, com magnífica vista para Gaia, Ribeira e Douro, a livraria, o bar com piano, ou um bolo de chocolate de comer e chorar por mais, são motivos mais que suficientes para justificar a visita.

This exhibition is based in a research regarding new ways of thinking science fiction which we live between artistic production democratized by new technologies and curatorial research. Photographers that share images in the flickr internet network and who virtually meet in a globalized context sharing local images of a country that one might recognize as being Portugal. Exhibition of photographic images in digital forma of ways of look: roads, people at cafes, loves, cars, abandoned factories with sea and sky always present. The territory we draw today doesn’t bring borders, but an enlightenment that distinguishes itself from other geographies; Authors without first name, without signature, the work of art to be found within an invented name and real as the fiction which we live in our day by day between facebooks and video-conferences; This is the portrait of a country who thinks its Present from a distance, with the clarity that this doesn’t allow to have. We don’t sign a collective story, but we keep in a virtual memory, the images that we built through our passage by a real territory. Os Sem Nome are all of us, but their portrait still might be unknown to us.

Uma proposta anónima. (via The F Blog)

Joachim Brohm, Culatra 08: Tractor #1

Heribert Ottersbach, Transformation, 2009

Joachim Brohm, Culatra 08: Beach

Heribert Ottersbach, untitled (Areal), 2009

“Inspired by a series of paintings Ottersbach created in 2005/06 after travelling to the Portuguese island of Culatra, Brohm starts working on his Culatra cycle in 2008 after the artist’s first joint visit to the island. Harbouring fishermen, immigrants and dropouts, the scarcely populated island does not remain unaffected by the challenges of social change. Brohm returns three times within a year to produce his new series of 21 photographs, in which he reformulates the image of Culatra not only in a different medium, but also through a fundamentally different approach to the subject matter. Ottersbach, meanwhile, seeks inspiration from Areal, a series of some 300 photographs taken by Brohm between 1992 and 2002 on an industrial estate under redevelopment on the outskirts of Munich. Fascinated with Brohm’s accuracy in terms of composition and content, Ottersbach manages to extract details from his documentary photographs, on the basis of which he then creates new images which can only be achieved in this form through painting. Rather than reformulating the image, he completely transforms it. All photographs and paintings born of this creative dialogue are readily identifiable as an integral part of each artist’s respective oeuvre.”

Infelizmente esta exposição encontra-se um pouco fora de mão(Colónia-Galerie Michael Wiesehöfer), mas esta influência mútua entre fotografia e pintura dá-me sempre muita curiosidade em ver.

Retrospectiva dos últimos 20 anos de trabalho de Valter Vinagre, espalhada por 2 salas do Centro Cultural de Cascais. Não terá sido fácil a tarefa do curador Alejandre Castellote, de escolher o que mostrar deste fotógrafo, que assumiu a aventura e o risco da diversificação para consolidar o seu trabalho no circuito artístico e comercial. Embora na visibilidade da sua obra pareça existir uma proeminência do género fotodocumental, o mesmo é praticado tendo em conta um conjunto de assumpções mais vastas e que parecem integrar algumas das preocupações derivadas das buscas que outros géneros fotográficos foram elaborando. O que nos é mostrado parece ser uma via possível de abordagem à amplitude temática com que o autor foi moldando o seu percurso, aqui predominando uma sensação de busca do sentido oculto e do misterioso (a morte, o sexo, o religioso), algo que se vê potenciado pela forma como as imagens estão dispostas, permitindo que o enigma se estabeleça, através de imagens de aparentemente simples recorte, mas que ganham uma nova dimensão narrativa pela estruturação proposta. O exercício de curadoria revela-se fundamental neste acto expositivo, pois são imagens que se retiram do contexto original em que foram produzidas e que ambicionam agora no seu conjunto alongar uma perspectiva mais funda sobre um pouco daquilo que tem sido a demanda e o devir da obra deste fotógrafo. Só me foi possível uma única visita à exposição, apressada já pelo encerrar do local, pelo que teria sido bem merecido um visionamento mais profundo e cuidado, facto que me leva a considerar estas breves palavras como potencialmente pouco justas, prejuízo que embora no qual talvez tenha já incorrido noutras situações, nada mais visa reflectir que a mera visão pessoal.

“LA MIRADA EN EL OTRO” , Galeria do Rei D. Luís, Palácio Nacional da Ajuda

Juan Fontcuberta, Momificaciones

Chema Madoz, Sem Título

Manuel Vilariño, Orixes

Ouka Leele, Peluqueria

P.P. Minguez, Torero-Cordero

Exposição colectiva dos prémios nacionais da fotografia espanhola, a primeira nota não pode deixar de ir para aquela que me parece pouco feliz divisão desta mostra, entre pés, corpos, mãos, cadeiras e sei lá que mais que os curadores decidiram “inventar” para a catalogar, quase apetecendo perguntar se estariam a ilustrar algum ditado português do tipo “meter os pés pelas mãos” ou se o simplex já invadiu a peninsula, por oposição à tão ubiqua e por vezes demasiada complexificação a que aspira certa fotografia contemporânea. Descontando essa minudência, vi-me perante uma mão cheia de pérolas, o que não significa contudo que se trate de mostra isenta de altos e baixos, mas que prenuncia uma enorme vitalidade e originalidade, talvez possível por uma ampla configuração que incluí todo um património histórico e artístico ímpar, bem com condições sócio-económicas e culturais bem diferentes das da realidade portuguesa, de modo que traçar aqui uma oposição aquela que parece ser a tendência nacional,
aparentemente muito menos alinhada com as questões da identidade ou cultura nacional, pode parecer um gesto relativamento injusto, quando não fútil. Relevo alguma ignorância perante o universo da fotografia espanhola, pelo que se tomada em conta exclusivamente esta exposição e desconhecendo os critérios de atribuição destes prémios, diría genéricamente estarmos perante um conjunto de fotógrafos cuja matéria prima base é a sua própria cultura, mas talvez seja apenas uma impressão derivada da forma como nos é apresentada, dedução a que o senso comum provavelmente não fugirá, pois que são reconhecidas ganas à forma como a nação castelhana evidencia e defende aquilo que é seu. Curiosamente dois dos mais conhecidos artistas no exterior, Juan Fontcuberta e Chema Madoz, são dos que nesta mostra menos evidenciam essa conotação claramente nacional. A par da mostra referente à Photo Espana 2009 de Cristóbal Hara e Mabel Palacín no Museu Berardo, uma excelente oportunidade para ficar a conhecer melhor a fotografia que vêm das nossas vizinhanças.

Embora África nas suas diferentes expressões e convulsões esteja relativamente bem documentada por fotógrafos exógenos, é pouco conhecida entre nós a fotografia vinda daqueles que nela vivem e trabalham, à excepção de um pequeno número de fotógrafos sul-africanos que encontram eco a nível internacional, casos de David Goldblatt, Guy Tillim e Michael Subotzky. A fotografia dos Palop’s parecem não fugir a essa excepção, que agora se vê um pouco contrariada com esta exposição do moçambicano José Cabral,  em que são mostradas imagens efectuadas desde os finais dos anos 80 até à data. Vindas de um quotidiano que demonstra particular interesse pelo universo infantil, são as crianças que na sua alegria, serenidade e inocência se enquadram em contraponto ao que o resto das fotos permitem entrever, degradação, pobreza, as promessas ainda por cumprir do pós-colonialismo, num Moçambique felizmente menos exaurido pela guerra e tentando a sua caminhada pelo regime democrático, contudo creio deaumbular sobre o sentido desta exposição, aparentemente muito mais pessoal do que documental, pese embora o facto do largo horizonte temporal das fotos nos poder colocar perante um exercício retrospectivo ou de aparente coadjuvante da história. Não é isso que impede que este seja um conjunto fotográfico que nos transporta para um universo de esperança, algo diferente dos desditosos testemunhos que nos chegam de África, o que só por si já é uma enorme benção.

Esta autora trás-nos um conjunto de retratos dos habitantes de S. Tomé e à semelhança com José Cabral, poupa-nos às habituais litanias da desgraça africana, se bem que nas fotos não deixe de se ler a dureza com que a vida cavou alguns desses rostos e corpos. Com o continuado massacre de imagens em volta da perda, da morte, da fome, da violência, etc., quase nos habituámos a considerar que tudo o resto não existe, que a felicidade ou a alegria são miragens que nos estão vedadas, e o que nos é apresentado como proposta de felicidade, geralmente assenta sobre uma imensa e enganadora base de maquilhagem e artifício. Aqui, também o olhar se interroga perante a artificialidade destas vestimentas, que apesar de transformarem os seus utentes em personagens das Tragédias, em simultâneo lhes confere um certo sentido de estranheza, de deslocamento, sendo de notar o ar de seriedade com que as imagens nos surgem, pese embora a auréola de teatralidade que carregam. A grande maioria são retratos em PB, mas o conjunto é interrompido por pontuais imagens a cores, num aparente quebrar de expectativas, algo que creio poderia ser dispensado, face à tremenda ambiguidade e riqueza que os retratos em PB já carregam, mas essa é mera opinião, antes importaria perceber a razão por detrás desta opção, que de modo algum obnubila a beleza do conjunto.

Catarina Botelho, Dias Úteis, R Anchieta 31 (ao Chiado)

Reunidos sob o título ”Dias Úteis” estão 3 trabalhos da autora (“s/ titulo”, “modo funcionário de viver” e “termo de identidade e residência”). O pequeno gesto e o fragmento do quotidiano são valores em alta no mercado fotográfico, situação para a qual tem contribuido o continuado discurso de crise, financeira e de valores, resultando num apelo a um retorno ao básico, naquilo que aparenta ser uma nostalgia do passado com tanto de anseio de segurança como de receio pelo futuro, sintomático não apenas da errância e falta de direcção, mas sobretudo e mais grave, da incapacidade para assumir o presente e acolher o desconhecido. Esta idéia sai reforçada pela quantidade inusitada de trabalhos que reflectem estes sintomas, pontuados pelo desespero, pela impotência, pelo desinteresse, pela desresponsabilização, pela incapacidade em encontrar um rumo, mas sem dúvida que esse parece ser o real de muitos, há que entendê-lo e aceitá-lo dessa maneira, mas conviria sublinhar que existem outras realidades possíveis e que nem todos estão desejosos de contribuir para o ecrã negro que actualmente teima em querer desfilar perante os nossos olhos.

Por outro lado, consecutivas acusações de que a fotografia não “reflecte” o real, algo que advém das suas propriedades específicas e que aliás me parece injusto, dado que nada existe que possa condensar uma tarefa que já de si é impossível, e aliadas também às acusações de “estetização” desse real, são alguns dos factores que ajudam a condensar e perceber as águas em que navegam estas séries, que bafejam o banal mas que paradoxalmente eliminam o acessório, o que de algum modo as torna num inverosímil excesso de realidade ou porventura numa ficção. Se o mundo da fotografia parece carente de maior conhecimento acerca da interioridade e profundidade, em oposição às tendências objectivas, gesto que só por si garantiria maior realismo ao acto fotográfico, isso é-nos sem dúvida mostrado neste registo do universo feminino proposto por Catarina Botelho, em contraposição a uma utilização massificada e objectificada do corpo. No entanto parece assistir-se a uma proposta de narratividade do real em que a vida se forma de um conjunto de gestos ausentes, quiçá distantes, a caminho de um universo claustrofóbico e sem saída, tão distante da realidade como o outro do final feliz e embelezado, em que certas fotografias nos querem fazer acreditar. Esta tendência actual, em que se tenta mostrar o real como ele é, quase como acto expiatório de uma culpa pelo facto de tanto tempo se andar a viver sob a égide da ilusão, embora apresentando simbolicamente a necessidade de assentar os pés na terra – o que é meritório – não deixa contudo de ser uma visão parcelar daquilo que efectivamente pode ser a realidade e a sua construção. Provavelmente, o que nos é mostrado é apenas aquilo que a autora desejaria exprimir, no entanto esse é um dos dramas destas séries, que de tão abertas nos seus sentidos, acabamos por desconhecer se estão ancoradas em real ou se se tratam de ficções, pois que me parece que a viverem neste limbo, claramente perdem a sua vitalidade. Numa nota final, alguns dos planos vislumbrados, tem claras similaridades com o cinema de pendor mais documental ou até realista, como é o caso do português Pedro Costa, não deixando de ser interessante o facto de ter ele sido escolhido para esta edição da Photo Espana, uma edição em que claramente se faz sentir o apelo ao real, no entanto, fica por conhecer de que forma sai a fotografia engrandecida ou desvalorizada nesta comparação, o que só por si, já daria para outro artigo.

Sandra Rocha – “Há Metafísica Bastante Em Não Pensar Em Nada”, Casa Fernando Pessoa

Desta vez não tenho nem uma foto que suporte esta pequena recensão. No dia em que fui visitar a mostra aconteceu um pequeno recital de piano no andar de baixo, o qual confina com o espaço expositivo, pelo que me sentei numa cadeira ali deixada, quiça propositadamente à apreciação das imagens, certo é que dormitei um pedaço, acordei ao som das palmas, levantei-me e saí, qual concerto, quando se sabe que já não há encore, esquecendo-me de registar algumas imagens. Sobre poemas de Alberto Caeiro, um heterónimo de Fernando Pessoa estas fotografias de Sandra Rocha, não me deixaram vontade de gritar pelo encore, pese embora alguma associação bem conseguida entre o simbólico e o imaginário da genialidade pessoana. A escolha dos motivos, algo decalcados uns dos outros, a má qualidade das ampliações, não serviram bem a esta proposta da autora, que se reconhece como alguém que cultiva a excelência sobretudo em trabalhos de pendor documental. Já as imagens (“made in china”) que mostrara nos Encontros da Imagem em Braga me tinham transmitido alguma sensação de decepção, mas é assim a proposta artistica, agradando a uns, desagradando a outros. Talvez estas palavras de Inês Pedrosa, directora da casa, sejam mais sensatas que as minhas… «Alberto Caeiro foi o Mestre e o menos erudito dos heterónimos de Pessoa. O aviso concreto contra as máscaras do conhecimento, o sábio guardador dosrebanhos do pensamento original. Por isso é, dentro do universo Pessoa, o poeta favorito dos amantes da natureza e dos defensores do regresso a um hipotético « mundo natural». Mas Caeiro é outra coisa, mais complexa e simples: um escritor que não tem medo das palavras, que não faz cerimónia com a vida. Olha e vê – e não se inquieta com a distância existente entre o olhar e a escrita, nem procura diminui-la. As imagens de Sandra Rocha fixam essa tranquilidade essencial de Caeiro, e o seu dom para contemplar a beleza das coisassem se sentir ameaçado ou, de alguma forma, intimidado por elas. Caeiro é o poeta do bom senso, essa qualidade essencial da inteligência humana que a velocidade feérica das artes e engenharias tantas vezes apaga. É essa, talvez, a grande marca da sua singularidade: o desassombro de lançar sobre tudo o que existe um pensamento sem vénias nem preconceitos. As fotografias de Sandra Rocha iluminam essa busca de uma justiça atenta e inaugural; usam a coragem do pormenor e a limpidez da liberdade. Fazendo-nos respirar o ar do exterior, a vida, a morte, a imensidão, os limites e a provocação eterna da beleza, convocam-nos para uma relativização de todos os nossos ilusórios saberes e sentimentos. Conduzem-nos à sensatez da alegria.»

Imagem de Luís Palma, série "O Teórico Acidental"

Inaugurou ontem a edição Bes Photo 2008 no Museu Berardo, com os nomeados Luís Palma, André Gomes e Edgar Martins, este tendo também inaugurado no Museu do Oriente na sexta-feira passada a exposição Topologias. Ainda no Museu Berardo, pode ser vista Arquivo Universal – o Documento e a Utopia Fotográfica, uma retrospectiva sobre a fotografia enquanto documento. São cerca de 1000 fotografias, das quais emanam todas as dúvidas que se reconhecem acerca dos limites e perspectivas da fotografia, numa pluralidade vivificante de pontos de vista, que embora não fornecendo resposta, caminho ou direcção, tem o mérito de permitir equacionar algumas dinâmicas presentes na paisagem fotográfica actual.

Foto: Dorothea Lange

A não desperdiçar, a oportunidade de ver de perto imagens de Dorothea Lange, August Sander, William Klein, Ed Ruscha, Robert Adams, Dan Graham, Gerry Winogrand, etc. Sobre esta exposição, José Marmeleira questiona-se sobre  “que caminhos restam à fotografia?“, enquanto que Alexandre Pomar releva considerações políticas quando escreve que existem “limitações da mostra que decorrem da retórica esquerdista do seu comissariado“.

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